Bei den 3 Songs, die in einer entspannten Session mit einem Freund aufgenommen wurden, geht Pecknold deutlich reduzierter als bei seiner Hauptband zu Werke und singt ausschließlich zur Akustikgitarre. Der erste Song ist dabei ein wunderschönes Duett mit Grizzly Bear-Sänger Ed Droste – zwei Stimmen, die sich perfekt ergänzen.

Anders als seine bisherigen Solo-Ausflüge, hat Robin Pecknold die Three Songs EP nicht unter dem Synonym White Antelope sondern unter seinem bürgerlichen Namen veröffentlicht. Von seiner Hauptband gibt es aktuell vorab zum kommenden Album ebenfalls einen Song im freien Download.

Diskografie (nur Longplayer)

• Fleet Foxes (2008)

Frei im Internet

• Kostenlose EP: http://stereogum.com/653402/download-a-free-robin-pecknold-ep-feat-ed-droste/mp3s/
• Kostenloser Song (Fleet Foxes): http://www.fleetfoxes.com/helplessness-blues.html

Weitere Quellen

• Offizielle Homepage: http://www.fleetfoxes.com/
• MySpace (Fleet Foxes): http://www.myspace.com/fleetfoxes
• MySpace (White Antelope): http://www.myspace.com/awhiteantelope
• lastFM (Fleet Foxes): http://www.lastfm.de/music/Fleet+Foxes
• lastFM (White Antelope): http://www.lastfm.de/music/White+Antelope
• Wikipedia (Fleet Foxes): http://de.wikipedia.org/wiki/Fleet_Foxes

• Wann? Herbst 2008?
• Wie? wahrscheinlich durch eine Visions-Plattenkritik

Musik

Ich weiß nicht mehr genau, wie ich auf Saboteur aufmerksam geworden bin – wahrscheinlich war es mal wieder ein Visions-Review. Dass ich das Debüt-Album A place where painters meet dann gekauft habe, lag an dem Song A Cabbage White, den ich nicht mehr aus dem Ohr bekam. Und dass ich die Platte immer mal wieder gern zum Hören hervorkrame, mag auch an dem Jahrzehnt meiner eigentlichen musikalischen Sozialisation liegen.

Auf dem 2008er Album findet sich nichts, was momentan angesagt ist: Keine Spur von 80er-Jahre-Klangästhetik, keine 60er-oder-70er Retrosounds, kein hippeliges Ethno-Druming, keine hektisch eklektischen Gitarren, keine mehrstimmigen Gesangsarrangements. Dafür aber 9 stimmige Songs, für die in den 90er Jahren Indie Rock das abschließend beschreibende Label gewesen wäre.

Und so sind stilprägende, amerikanische Bands wie Yo La Tengo, Pavement, Dinosaur jr. und immer wieder die damaligen Sonic Youth die Assoziationen, die die vier Hamburger mit ihren Liedern hervorrufen. Aus Deutschland kommen da vielleicht noch die hervorragenden Blimps Go 90 in den Sinn.

Während bei aktueller Musik „spannend“ manchmal auch „anstrengend“ bedeutet, finde ich die 90er Jahre Kombination aus Rock, Noise und Slackertum hin und wieder ganz entspannend und ein bisschen so, wie nach Hause kommen. Insbesondere dann, wenn sie mit solch unaufgeregten, aber feinen Songs daherkommt.

Nachdem ich dann diesen Artikel im Kopf fertig hatte, habe ich ein bisschen im Netz recherchiert und festgestellt, dass sich alle Beschreibungen der Musik ähneln. In diesem Fall vielleicht einmal nicht, weil alle voneinander abschreiben, sondern einfach, weil es stimmt.

(Und ich fresse einen Satz 10er Saiten, wenn ein Großteil der Songs nicht auch auf einer Fender Jazzmaster eingespielt wurde.)

Diskografie (nur Longplayer)

• A Place where painters meet (2008)

Anspieltipps

• A Cabbage White; Thirsty Soul; The Closing In (A Place where painters meet)

Weitere Quellen

• Offizielle Homepage: nicht vorhanden
• MySpace: http://www.myspace.com/saboteurrr
• lastFM: http://www.lastfm.de/music/Saboteur
• Wikipedia: nicht vorhanden

1. Beide sind (zumindest im musikgeschichtlichen Gesamtmaßstab) kurz nacheinander diesseits des Tellerrandes erschienen, können auf eine ähnliche musikalische Entwicklung zurückblicken und haben jung gleich mit ihrem Debüt ein Achtungszeichen gesetzt.
2. Beide haben als Multiinstrumentalisten einen großen Teil der Musik im stillen Kämmerlein selbst eingespielt und haben – so zumindest die Außenwahrnehmung – als 1-Mann-Band-Projekt begonnen.
3. Grundähnlichkeiten in Stil und Instrumentierung, weisen darauf hin, dass beide eine Vorliebe für Blechblasinstrumente und getragene Musik zu haben scheinen.

Für viele war das mindestens eine Gemeinsamkeit zu viel und der Topf, in den die beiden geschmissen wurden, schnell zur Hand. Dass die genannte Punkte nur der kleinste gemeinsame Nenner sind, zeigt u.a. auch die aktuellen EP, die von Get Well Soon in der Vorweihnachtszeit verschenkt wird.

Der Titel Get Well Soon and the Grand Ensemble. Live at the Konzerthaus Dortmund ist schon fast selbsterklärend. Nachdem Konstantin Gropper sein zweites Album Vexations bereits mit kompletter Band aufgenommen hatte, gab es 2010 vier Konzerte mit noch größerer, 15-köpfiger Besetzung. Gespielt wurden vor allem Songs vom 2010er Album. 5 davon stehen nun als EP zum kostenlosen Download zur Verfügung und zeigen, dass der Weg vom stillen Kämmerlein zur kammermusikalischen Besetzung eine schlüssige Entwicklung ist.

Diskografie (nur Longplayer)

• Rest now, weary head! You will get well soon. (2008)
• Vexations (2010)

Frei im Internet

• Kostenlos im Internet: http://www.youwillgetwellsoon.com/konzerthaus/

Weitere Quellen

• Offizielle Homepage: http://www.youwillgetwellsoon.com/
• MySpace: http://www.myspace.com/youwillgetwellsoon
• lastFM: http://www.lastfm.de/music/Get+Well+Soon
• Wikipedia: http://de.wikipedia.org/wiki/Get_Well_Soon

• Wann? 17.08.2010
• Wie? Visions News

Musik

„Das Label Redfield Records nimmt die belgische Band The Sedan Vault unter Vertrag. Eine gute Entscheidung, was man so hört“, war die Schlagzeile auf visions.de, die mich neugierig gemacht hat. Der Rest der Meldung und vor allem die Soundproben auf der Homepage der Band haben mich dann spontan zum Kauf bewegt.

Um die Musik zu beschreiben wird vom Autor der Visions ein Koordinatensystem zwischen The Mars Volta, Klaxons und Sonic Youth aufgespannt. Die Klaxons kenne ich nicht gut genug, mit Sonic Youth teilen The Sedan Vault allenfalls den experimentellen Ansatz. Aber beim Hören der ersten Klänge des 2008er Albums Vanguard wird man jedoch tatsächlich spontan an The Mars Volta oder viel mehr noch an das Album Relationship of Command von At the Drive-In erinnert. Letzterer Vergleich dürfte allein schon einem Adelsschlag gleich kommen.

Beflügelt werden diese Assoziationen sowohl durch Stimme und Gesangstil, die gewisse Ähnlichkeiten zu Cedric Bixler-Zavala aufweisen, aber auch durch das clevere Gitarrenspiel. Hinzu kommen die variablen Arrangements und ein breites Klangspektrum zwischen trocken groovendem Bass, elektronische Sounds oder düsteren Bläsersätzen.

Letztlich ist aber vor allem der ambitionierte Gesamtansatz, der den Vergleich rechtfertigt. Mit den Sprachsamples und Textpassagen bekommt das Album stellenweise fast hörspielhaften Charakter. Passend dazu präsentiert die Band die Songtexte auf ihrer Homepage in Form einer e-Novel. Analog zu den Songs auf dem Album erzählen zehn animierte Kapitel vom Aufstieg und Fall einer endzeitlichen Gang von Brandstiftern. Radikalität und politischer Ansatz lassen hier auch Bezüge zu The Refused oder The (International) Noise Conspiracy zu.

Bei den letzten Konzerten hat die Band diese Novelle ebenfalls aufgeführt und den Soundtrack live dazu gespielt. Derzeit stehen leider keine Deutschland-Konzerte an. Aber wenn das deutsche Label Redfield Records das Album Vanguard demnächst als limitiertes Multimedia-Box-Set herausbringt, wird es sicherlich auch hierzulande einige Live-Termine geben, auf die man gespannt sein darf.

Insgesamt reiht sich The Sedan Vault damit ein in die Reihe von außergewöhnlichen Bands, die die belgische Musikszene bisher hervorgebracht hat.

Diskografie (nur Longplayer)

• Mardi Gras of the Sisypha (2006)
• Vanguard (2008)

Anspieltipps

•  Black Waltz In White Shoes, Like A Scene From A Apocalyptic Film(Mardi Gras of the Sisypha)
• Communism by the Gallon, Autochthonic, Unidentified Flying Subjects (Vanguard)

Weitere Quellen

• Offizielle Homepage: http://www.thesedanvault.com/
• MySpace: http://www.myspace.com/thesedanvault
• lastFM: http://www.lastfm.de/music/The+Sedan+Vault
• Wikipedia: noch nicht vorhanden

• Wann? wahrscheinlich 2002
• Wie? zahlreiche Rezensionen, Interviews usw.

Musik

Aufmerksam auf Mother Tongue wurde ich erst, als sie sich bereits das erste Mal aufgelöst hatte. Obwohl es nur ein Album gab, wurde die Band aus L.A. von vielen lautstark vermisst. Als Ende 2001 euphorisch die Aufnahme eines zweiten Albums gemeldet wurde und im Frühjahr 2002 die ersten Deutschland-Konzerte seit 1994 (?) anstanden, war ich neugierig genug, um mir ein Karte zu kaufen. Seit dem habe ich fast kein Berlin/Potsdam-Konzert mehr verpasst und keine andere Band öfter live gesehen.

An einem guten Abend grooven die vier Musiker, als wäre sie eins und spielen ihren psychedelischen Funk/Blues/Rock, als würden sie nur zufällig in unterschiedlichen Körpern stecken. Dann sind Mother Tongue schlicht die beste Live-Band der Welt. Aber selbst an einem durchschnittlichen Abend sind sie immer noch kaum zu schlagen. Man muss ihnen nur genügend Zeit auf der Bühne geben. Selten sieht, hört und spürt man so viel Musikalität und Spielfreunde, so viel Leidenschaft und Hingabe, soviel Dankbarkeit und pure Liebe zur Musik.

Am intensivsten in Erinnerung ist mir das Konzert am 05.07.2004 im Potsdamer Waschhaus, bei dem schon nach den ersten Songs eine magische Verbindung zwischen Bühne und Publikum entstand. Die Intensität des Auftritts jagte eine Gänsehaut nach der anderen über den Rücken. Um die Dankbarkeit für den Support zu zeigen, spielte die Band am Ende des Konzerts im Zuschauerraum, während die Fans auf der Bühne tanzten. Beim Kauf der Tour-EP am Ende des Konzertes gab es Autogramme, eine verschwitzte Umarmung von jedem Bandmitglied und ein paar persönliche Dankeswort dafür, dass man Teil dieses gelungenen Abends war. Das ist mir bei noch keiner anderen Band passiert.

Jetzt im August und September 2010 fand die Jubiläumstour zum 20-jährigen Bandbestehen statt. Im ausverkauften Berliner Magnet dauerte die Aufwärmphase zwischen Band und Fans diesmal länger als sonst. Erst nach der ersten Zugabenpause, spätestens aber nach einer absolut durchgeknallten Version des alten Hits Broken, war die Intensität wieder da, die viele der Anwesenden kennen und wünschen. Und auch die Band ist immer noch dankbar für die Resonanz, die sie vor allem aus Deutschland erfährt. „It means much more to us, than it means to you. That’s for sure”, waren diesmal Davos Worte kurz vor Ende des Konzerts.

Gespielt wurden vor allem die Hits der ersten drei Platten. Vom 2008er Album fanden nur zwei Songs ihren Weg ins Set, was ich persönlich schade fand. Ist doch aus meiner Sicht Follow the Trail das erste Album, das die Intensität der Band halbwegs einfangen kann. Gegenüber der Live-Erfahrung wirkt die Produktion der ersten Platten fast leblos, so dass es mir immer schwer fiel, diese unterschiedlichen Höreindrücke überein zu bringen und ich die Studio-Alben kaum auflege. Ihr eigentliche Stärke entfaltet diese Band halt vor allem live auf der Bühne eines kleinen Clubs.

Neugierig geworden? Auf offiziellen Band-Homepage www.mothertonguelives.de stehen die Mitschnitte vieler Konzerte frei zum Download zur Verfügung. Die 2010er Konzert werden gerade nach und nach eingestellt. Aber einen Besuch können auch diese natürlich immernoch nicht ersetzen.

Diskografie (nur Longplayer)

• Mother Tongue (1994)
• Streetlight (2002)
• Ghost Note (2003)
• Mother Tongue Fan Edition (2004)
• Follow the Trail (2008)

Anspieltipps

• Broken; The Seed; Damage (Mother Tongue)
• CRMBL; Trouble Came; F.T.W. (Streetlight)
• Dark Side Baby; Coming Home; That Man; Helicopter Moon (Ghost Note)
• May Day; Outside Looking In; Wolf (Follow the Trail)

Weitere Quellen

• Offizielle Homepage: http://www.mothertonguelives.de/
• MySpace: http://www.myspace.com/mothertongue
• lastFM: http://www.lastfm.de/music/Mother+Tongue
• Wikipedia: http://de.wikipedia.org/wiki/Mother_Tongue_(Band)

• Wann? Juli 2009
• Wie? Rubrik Entdeckt in Visions Nr. 196

Musik

Auf Elyjah aufmerksam geworden bin ich durch die Visions-Rubrik, in der knapp und steckbriefartig vier oder fünf Neuentdeckungen pro Heft vorgestellt werden. Was ich da las, ließ mich das MySpace-Profil der Band aufrufen. Und was ich dort hörte, machte mich neugierig genug, um per E-Mail nach einem Tonträger zu fragen. Ein Longplayer sei in Vorbereitung, nur die Split-EP mit Thalija wäre verfügbar, war die Antwort. Und es gibt neben dieser EP wahrscheinlich kein anderes Album, welches ich diesen Sommer und Herbst so häufig aufgelegt habe.

Nur die Elyjah-Seite wohlgemerkt. Die vier Songs stammen noch aus einer Zeit, als das Trio mit Gitarre, Bass und Schlagzeug ausschließlich Instrumental-Stücke aufnahm. Deren Arrangements sind so clever und durchdacht, die Songstrukturen so dynamisch und energiegeladen, die Grooves so tight und zwingend, die Musiker an den Instrumenten so fähig, dass das Zuhören eine wahre Freude ist.

Während andere instrumentale Prost-Rock-Bands ihrer Einflüsse vor allem aus den Bereichen Metal, Hardcore und Prog Rock zu ziehen scheinen, ist Elyjah hinsichtlich der Klangästhetik eher im Indie- und Collegerock verwurzelt. Vielleicht tue ich der Band damit auch unrecht. Aber für mich hat die EP einen gewissen 90iger-Jahre-Charme, ohne rückwärtsgewannt zu wirken.

Nachdem mich die EP derart überzeugt hat, war ich auf die LP sehr gespannt. Die Info, dass der Gitarrist Robert Oeser seine Gesangsstimme entdeckt hätte, lies mich er der Veröffentlichung jedoch mit gemischten Gefühlen entgegensehen. Allerdings erwies sich die Befürchtung, mit Gesang könnte eventuell nicht derselbe Zauber wie bei den Instrumental-Stücken entstehen, als unbegründet.

Wenn ich unterwegs bin, kennzeichne ich meine Favoriten auf dem iPod mit den Bewertungssternchen. Aber spätestens nach dem dritten Durchlauf waren hier fast alle Songs der LP entsprechend eingestuft. Und obwohl es auf dem Album (inklusive Intro) noch vier Instrumental-Stücke gibt, überzeugen mich die Lieder mit Gesang überraschender Weise am meisten.

Die Musik pendelt immer noch zwischen den Polen Post- und Indie-Rock und die oben beschriebenen Qualitäten der Band sind immer noch da, auch wenn die neuen Stücke weniger groove-orientiert ausfallen. Robert Oesers Stimme fügt sich gut in die Arrangements, transportiert die Emotionalität der Songs noch besser und sorgt letztlich für den Ohrwurmcharakter der einzelnen Lieder. Aber die Detailverliebtheit, die notwendig ist, wenn Musik auch ohne Gesang die Aufmerksamkeit fesseln soll, ist weiterhin zu spüren und gibt den Songs „hinter“ der Stimme eine hohe Halbwertzeit. Eine Platte, die mit jedem Hören noch weiter gewinnt.

Auf der Record Release Party am 4. Dezember 2009 in der Villa Friedrichshöhe in Berlin hätte die Band einen besseren Sound und ein weniger schwatzhaftes Publikum verdient gehabt. Spass gemacht haben die Lieder aber auch in der rauheren Live-Version, für die ein zusätzlicher Gitarrist in die Band eingestiegen ist.

Diskografie (nur Longplayer)

• Planet Planet (2009)

Anspieltipps

• A Line Made By Walking; Marina; Light Beam And Chimney (Split EP)
• Eyes Wide Open; Change Me; Bathysphere (Planet Planet)

Weitere Quellen

• Offizielle Homepage: http://www.elyjah.com/
• MySpace: http://www.myspace.com/elyjahband
• lastFM: http://www.lastfm.de/music/Elyjah
• Wikipedia: noch nicht vorhanden

• Wann? Anfang 1995
• Wie? ???

Musik

Nach Red Snapper bietet es sich wegen mindestens drei Parallelen an, mit Soul Coughing eine weitere Band aus der Kategorie »Alte Helden« vorzustellen: Mit (1) fast der gleichen Instrumentierung und (2) ähnlichen Jazz-Wurzeln enstand (3) ein ebenso innovativer und prägnanter Stilmix, aber mit leicht verlagertem musikalischen Schwerpunkt.

Wie genau ich auf die Band aufmerksam geworden bin, weiß ich in dem Fall nicht mehr genau. Auf jeden Fall aber hatte mein Kumpel Zachi das Debüt Ruby Vroom zuerst und wir waren beide ziemlich angetan von der Mischung aus Zutaten, die jede für sich für ausreichend Wiedererkennungswert gesorgt hätten. Die Rhythmusgruppe aus Schlagzeug und Kontrabass spielte auf handwerklich hohem Niveau eingängige Grooves irgendwo zwischen Funk und Jazz. Hinzu kamen die Samples von Mark De Gli Antoni. Schepernde Sounds, verfremdete Alltagsgeräuschen und Musikfetzen – vornehmlich aus alten Jazz-Tunes – wurden hier eher skizzenhaft und oft bewusst dissonant zu kleinen Klangcollagen aufschichtete und auch bei Gigs immer live über ein Midi-Keybord eingespielt. Ergänzt wurde dies durch das eher minimalistische Gitarrenspiel von Mike Doughty und seiner prägnanten Stimme, die in leicht melancholisch-sarkastischer Grundhaltung zwischen eigenwilligem Sprechgesang und eingängigen Gesangsmelodien hin und her pendelte.

Was in der verbalen Beschreibung vielleicht anstrengend klingt, sorgte allein beim Hören des Debüts – vielleicht wegen der unbeschwert wirkdenden Herangehensweise – für eine Reihe von Ohrwürmern, die bis heute nichts an Wirkung verloren haben. Bereits auf diesem ersten Album hatte die Band eine künstlerische Ausdruckskraft gefunden, die durch die nachfolgenden Studioalben – trotz vieler guter Songs – nicht mehr übertroffen werden konnte. 2000 löste sich die Band auf. Mike Doughty ist seit dem solo als Singer/Songwriter unterwegs und hat eine Reihe von Platten aufgenommen, die er zunächst ohne Label nur auf seinen Gigs vertrieb. Bassist Sebastian Steinberg – für mich bis heute der heimliche Held der Band – hat jüngst Lou Barlow (Sebadoh, Dinosaur Jr.) bei den Aufnahmen seiner aktuellen Solo-Platte Goodnight Unknown unterstützt.

Diskografie (nur Longplayer)

• Ruby Vroom (1994)
• Irresistible Bliss (1996)
• El Oso (1998)

Anspieltipps

• Is Chicago, Is Not Chicago; Sugar Free Jazz, Blueeyed Devil; True Dreams of Wichita; Mr. Bitterness; Janine (Ruby Vroom)
• Soundtrack To Mary; Lazybones; Collapse; The Idiot Kings (Irresistible Bliss)
• Blame; St. Louise Is Listening; $300; Monster Man (El Oso)

Weitere Quellen

• Fanpage: http://www.scug.net/
• MySpace: http://www.myspace.com/soulcoughingband [fanmade]
• lastFM: http://www.lastfm.de/music/Soul+Coughing
• Wikipedia: http://de.wikipedia.org/wiki/Soul_Coughing

• Wann? Sommer 1996
• Wie? Beim Einkaufen bei Colours gehört

Musik

Wer in den 90iger Jahren jung war und gut gekleidet sein wollte, trug Second-Hand-Klamotten. Zumindest, wenn er sich auch nur halbwegs vor einem alternativen Hintergrund wähnte. Damals (wie heute) gab es in Berlin im Wesentlichen drei Quellen für gebrauchte Bekleidung: Made in Berlin, Garage und Colours. In dem zuletzt genannten Laden lief im Sommer 1996 eine Platte, deren Titel ich sofort beim Verkaufspersonal erfragen musste: Es war Reeled and Skinned von Red Snapper.

Spätestens in diesem Sommer hatte sich elektronische Musik unter der Flagge von Trip Hop (Massive Attack, Tricky, Portishead) und Big Beat (The Chemical Brothers, Fat Boy Slim, The Prodigy) angeschickt, die Herzen der alternativen Rocker zu erobern. Techno-Verwandtes und Rockmusik zu hören, war plötzlich kein Gegensatz mehr. Der Blick über die Genregrenzen wurde einem auch dadurch leicht und schmackhaft gemacht, dass zum einen Rockinstrumente gesampelt oder direkt verwendet wurden und der Musik zum Anderen oft eine deutliche Rock-Attitüde zu Eigen war. Das war die konsequente Fortsetzung des Crossover-Gedankens, der bereits Anfang der 90iger Jahre Einzug gehalten hatte.

Angesichts dieser Entwicklung bedeutete die Musik von Red Snapper eher einen Schritt zurück bzw. eigentlich den Zirkelschluss. Denn hier wurden nun die typischen Elemente breakbeat-orientierter Elektro-Musik live und mit konventionellen Instrumenten eingespielt. Mir persönlich kam das entgegen, da ich damals deutlich mehr Respekt für Musiker hatte, die „richtige“ Instrumente beherrschten. Schlagzeug, Kontrabass, Gitarre sowie eine Auswahl verschiedener Blasinstrumente brachten einen Stilmix aus Trip-Hop und Jungle, aber auch Jazz, Funk und Rock zu Gehör. Die Grundmuster der Musik lagen jedoch klar im elektronischen Bereich.

1997 sah ich die Band dann live in Roskilde und war vor allem von Drummer Richard Thair beeindruckt, der – ähnlich wie The Edge auf der Gitarre – mit Delay-Effekten auf seinem Schlagzeug spielte, um die dichten und komplexen Break-Beat-Rhythmen zu erzeugen. Sowas hatte ich vorher noch nicht gesehen bzw. gehört.

Das 98er Album Making Bones habe ich mir später noch zugelegt, dann verlor ich die Band irgendwie aus den Augen. Die Debüt-EP von Know Skools hat mich nun daran erinnert, die beiden Platten von Red Snapper mal wieder aus dem Schrank zu nehmen. Eine kurze Recherche im Internet ergab, dass sich die Band 2002 aufgelöst hatte, seit 2007 aber wieder zusammen Musik macht.

Ein Blick auf den aktuellen Tour-Kalender zeigt, dass die Band heute unter anderem auf Jazz-Festivals spielt. Das ist nur folgerichtig, denn die 2008er Mini-LP Pale Blue Dot verfügt zwar noch über dieselben Zutaten, sprich Instrumente. Die Breakbeats sind jedoch stärker in den Hintergrund getreten und der jazzige Charakter der Musik wird deutlicher als je zuvor. Insbesondere das sehr rockige Stück Wanga Doll hat es mir hier angetan.

Diskografie (nur Longplayer)

• Reeled and Skinned [Compilation der ersten 3 EPs] (1995)
• Prince Blimey (1996)
• Making Bones (1999)
• Our Aim Is To Satisfy (2000)
• Pale Blue Dot (2008)

Anspieltipps

• One Legged Low Frequency Guy; Swank; Hot Flush (Sabres of Paradise); (Reeled and Skinned)
• Image of You; The Tunnel; Spitalfields (Making Bones)
• Wanga Doll;  Moving Mountain (Pale Blue Dot)

Weitere Quellen

• Offizielle Homepage: http://www.redsnapperofficial.com/
• MySpace: http://www.myspace.com/redsnapperofficial
• lastFM: http://www.lastfm.de/music/Red+Snapper
• Wikipedia: http://de.wikipedia.org/wiki/Red_Snapper_(Band)

Ergebnis: Bekannte Klänge werden ungewohnt kontrastiert, die Gegensätze aber nicht auf die Spitze getrieben. So verbleibt genügend Eingängigkeit und es entsteht eine anregend neue Musikmischung. Experiment geglückt! Insbesondere Odd Space City, der letzte Song auf der E.P. – und gleichzeitig der erste, den Know Skools je fertig gestellt haben – hat mich darin erinnert, meine alten Red Snapper-Platten mal wieder aus dem Regal zu holen. Danke auch dafür. 

Frei im Internet

• Kostenloser Download: http://www.digitalkunstrasen.net/

Weitere Quellen

• Offizielle Homepage: noch nicht vorhanden
• MySpace: http://www.myspace.com/knowskools
• lastFM: http://www.lastfm.de/music/Know+Skools
• Wikipedia: nicht vorhanden

• Wann? Juni 2007
• Wie? Tipp von Keno

Musik

Wieder so eine Band, die mir bis zur Empfehlung selbst vom Namen her vollkommen unbekannt war, obwohl sie sich musikalisch in direkter Nachbarschaft zu anderen Favoriten aufhält. Gegründet wurde sie bereits 1990, das erste Studioalbum erschien 1993. Kennengelernt habe ich die Band 2007 mit ihrem 2004er Album Blast Tyrant. Mit ihrem gerade erschienenen Album Strange Cousins from the West sind sie momentan auf Tour.

Recherchiert man zu Clutch im Internet, begegnen einem die Begriffe Stoner Rock, Heavy Metal, Funk Metal, Blues Rock, Hard Rock, Hardcore Punk und sogar Jazz als Musikrichtungen bzw. Bands wie Helmet, Led Zeppelin, Faith No More, Deftones, Korn als Referenz. Das macht zumindest eins deutlich: die musikalische Kategorisierung fällt nicht ganz leicht; ein Umstand, der bei mir allein reichen würde, um Interesse zu wecken.

Sortieren wir aber neu: Die Vergleiche mit Faith No More, Deftones und Korn sowie mit Funk Metal führen gänzlich in die falsche Richtung und sind zu streichen. Die Bezeichnungen Heavy Metal und Hardcore Punk treffen vielleicht gerade noch auf das Debüt zu. Aber bereits ab dem selbstbetitelten Zweitlinge gewinnen andere Einflüsse deutlich mehr Raum. Stoner Rock trifft es da schon besser. Instrumentierung und vor allem die Gitarrensounds stimmen. Im Vergleich zu anderen Genregrößen ist die Groove jedoch nicht schleppend und die Musik nicht psychedelisch genug. Wenn er nicht so altbackene Assoziationen hervorrufen würde, würde es vielleicht der gute alte Blues Rock noch am besten treffen. Viele der Gitarren-Licks sind deutlich bluesorientiert und die Nähe zu einer Band wie den Black Keys liegt deutlich mehr auf der Hand, als die oben genannte Referenzen. Und in langsameren Songs sind selbst Assoziationen zu Everlast nicht zu vermeiden.

Aber egal zu welchen Begriffen man greift, die Songs von Clutch sind auf jeden Fall eins: Lektionen in Groove. Das wird live noch einmal besonders deutlich. Einen Innovationspreis gewinnt die Band zwar nicht, denn letztlich sind es seit einigen Alben die gleichen, wenigen Zutaten, aus denen sie ihre Songs stricken: Mit weitgehend unverändertem Sound laufen Bass- und Gitarrenriffs oft unisono und selbst der Gesang sowie – auf einigen Alben – die Orgel stimmen hier häufig direkt ein. Und auch die Variationsbreite der Riffs, Licks und Skalen ist insgesamt begrenzt.

Das Zusammenspiel zwischen Gitarre, Bass und Schlagzeug ist jedoch perfekt und unweigerlich beginnen alle im Saal mit dem Kopf im gleichen Takt zu nicken. Folgerichtig ist auch der erste Song nach dem Aufleuchten der Saallichter im Berliner Lido The Message von Grandmaster Flash und nicht umsonst zählt Schlagzeuger Jean-Paul Gaster auch Questlove, Drummer von The Roots zu seinen Einflüssen. Insofern würde ich zusätzlich zu den eingangs erwähnten Musikrichtungen auch noch Hip Hop in die Waagschale werfen, um die Beschreibung perfekt zu machen.

Diskografie (nur Longplayer)

• Transnational Speedway League: Anthems, Anecdotes and Undeniable Truths (1993)
• Clutch (1995)
• The Elephant Riders (1998)
• Jam Room (1999)
• Pure Rock Fury (2001)
• Blast Tyrant (2004)
• Robot Hive / Exodus (2005)
• From Beale Street to Oblivion (2007)
• Strange Cousins from the West (2009)

Anspieltipps

• Regulator; Ghost (Blast Tyrant)
• White’s Ferry; Electric Worry; Mr. Shiny Cadillackness (From Beale Street to Oblivion)
• Abraham Lincoln; Witchdoctor; Let a poor Man be (Strange Cousins from the West)

Weitere Quellen

• Offizielle Homepage: http://www.pro-rock.com/
• MySpace: http://www.myspace.com/clutchband
• lastFM: http://www.lastfm.de/music/Clutch
• Wikipedia: http://de.wikipedia.org/wiki/Clutch_(Band)